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Toy Story 3Son juguetes, hablan (al menos cuando no hay nadie alrededor) y… ¡Han vuelto! pero esta vez en Disney Digital 3D. Toy Story, la película con la que empezó todo, lleva a los espectadores de nuevo a una fantástica aventura vista desde los ojos de dos juguetes rivales: Woody (con la voz de Tom Hanks en la versión original) y Buzz Lightyear (voz de Tim Allen). Este improbable dúo aprende a dejar a un lado sus diferencias cuando las circunstancias les separan de sus dueño Andy y se encuentran con que el único modo de sobrevivir a la peligrosa misión es aliándose.

Esta tercera parte es una película de animación digital producida por Pixar Animation Studios y que se estrenará el 18 de junio de 2010 en 3D. El director es Lee Unkrich, que editó las dos películas anteriores (sustituyendo a John Lasseter), mientras que éste supervisará personalmente la tercera película.

Toy Story 3 comienza cuando Woody, Buzz y los demás juguetes miran la televisión en la cual presentan un anuncio en el que están todos implicados. En el spot anuncian que Buzz Lightyear será llevado a Taiwan donde le efectuarán cambios y le aportarán nuevas funciones a cambio de los defectos que tenía. Woody y todos sus amigos se niegan a que Buzz vaya, pero éste está muy emocionado por ir  y acepta realizar el viaje, lo que provocará que sus compañeros se enfaden. Entonces es cuando Woody tiene una genial idea y deciden adentrarse en la caja del envío.

Los problemas empiezan cuando descubren que los Buzz Lightyear recolectados son destruidos y sustituidos por los nuevos modelos, Woody y los demás compañeros se las ingeniarán para salir a rescatar a su amigo. Una fábrica, un basurero y el interior de una maquina serán los escenarios de esta nueva aventura. Pero la pregunta es: ¿volverán a casa con Andy y ganarán la “batalla” o por lo contrario… la perderán?

Aquí os dejamos con el tráiler de Toy Story 3. Esperamos que os guste.

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Coraline IDe vez en cuando, se estrena una película que vuelve a recordarnos que el cine es, fundamentalmente, MAGIA (con mayúsculas). Una magia que tiene lugar en el habitáculo cerrado de una sala oscura, donde el público vive un sueño compartido en el que las imágenes cobran vida ante sus ojos y del que sólo despiertan cuando se encienden las luces.  Los Mundos de Coraline es una de estas películas.

Dirigida por el gran animador Henry SelickPesadilla Antes de Navidad (1993), James y el Melocotón Gigante (1996)- supone la primera incursión de éste en el cine de animación sin contar con el padrinazgo de Tim Burton. De hecho, si algo confirman las imágenes de esta película es cuán injustamente alargada fue la sombra del director de Ed Wood a la hora de valorar los anteriores trabajos de Selick.

En primer lugar, Los Mundos de Coraline apuesta por un tipo de animación diametralmente opuesto al del dibujo clásico o el diseño por ordenador: la técnica de imagen por imagen, en inglés, stop-motion. Al utilizar este recurso, donde personajes y elementos del decorado son construidos y movidos fotograma a fotograma, Selick consigue dotar de un verismo inusitado a su historia, dando una sensación de realidad (si se quiere, de plasticidad) que hace tiempo no experimentábamos ante la pantalla. Esto otorga al conjunto un innegable aire retro, hasta cierto punto intemporal, que hace pensar no por casualidad en genios del stop motion como Ray Harryhausen. Se cumple de esta forma el sueño que todos hemos tenido de niños: que los muñecos (nuestros muñecos) cobren vida y se muevan ante nuestros ojos.

Coraline II

En este marco, Los Mundos de Coraline es además un clásico cuento de hadas, pero uno de los de verdad. El tono grave y oscuro de algunos de sus pasajes nos recuerda lo escabrosos que eran muchos de los relatos que nos narraban cuando éramos niños. Baste citar, a modo de ejemplo, la magnífica secuencia en la que Coraline conoce a las almas perdidas (muy inquietante) o el enfrentamiento con la bruja durante el final del tercer acto (que roza lo abiertamente terrorífico). Y es que ha tenido que venir Henry Selick para recordarnos que Hollywood ha endulzado durante años los cuentos de hadas y falseado su auténtica esencia.

Todo ello no es obstáculo para que la película ofrezca momentos de desatada fantasía, casi poéticos, donde la contrastada iluminación, el magnífico diseño de personajes y el impresionante nivel de detalle de los decorados juegan un papel fundamental. Prueba de ellos son momentos inolvidables como el vuelo sobre la cara de Coraline recortada en el césped de “su otra casa” o el circo de ratones del Sr. Bobinsky.

Coraline III

Confeccionando un festín visual para los ojos del espectador, Selick sabe sortear las debilidades del guión y propone un cuento de hadas sobre mundos paralelos (pero opuestos) que recuerda tanto a Alicia en el País de las Maravillas como a la saga de Narnia, pero con entidad propia. De no ser porque la historia resulta excesivamente estirada (le sobran unos 15-20 minutos) y en ocasiones no puede evitar caer en convencionalismos propios del género fantástico, Los Mundos de Coraline hubiera sido una obra maestra incontestable. No obstante, demuestra dos cosas: que Henry Selick no necesita a Tim Burton y que la animación imagen por imagen tiene futuro.

Travelling of face of the globe

Director: Katarzyna Kijek & Przemyslaw Adamski

Grupo: Oi Va Voi
Tema: Everytime
Disco: Travelling the face of the globe
Año: 2009

Seguramente habéis oído hablar del “picture for picture”, o también llamado “cuadro por cuadro”. Este videoclip está realizado con esa técnica, que no es otra cosa que la unión de muchas fotografías que dan la sensación de movimiento, pero que son estáticas en su totalidad. Realmente, un gran trabajo de producción.

La técnica de realización de este videoclip es simplemente genial, aunque no debemos olvidar la música de Oi Va Voi ya que no se queda atrás. Sería perfecto despertarse un día y ver el mundo así. Vale la pena verlo.

Aquí os lo dejamos para que lo disfrutéis.

El ataque de los Kriters asesinosTitulo original: El ataque de los Kriters asesinos.

Director: Markus Mayer

País: España

Año: 2007

Guión: Samuel Orti

Productor: Samuel Orti

Fotografía: Samuel Orti

Luisa es una mujer que debe enfrentarse a la titánica tarea de limpiar la casa ante la inminente visita de su suegra. Sin embargo, la televisión anuncia un maratón de decenas de capítulos de su serie favorita, y una vez que empieza a verla no puede parar. La suciedad se acumula por toda la casa, la mugre amenaza con acabar con su vida.

Aterrador relato, donde se muestra con todo lujo de detalles las catastróficas consecuencias que puede tener el abandono de los quehaceres y obligaciones de cada uno por la manía de querer llevar una vida ociosa y relajada.

Más de uno va a comprender de forma definitiva que las ansias de limpieza de nuestras madres no son gratuitas y que “las pelusas del salón pueden esconder algo muy, muy peligroso”. Pero cualquiera puede tener un desliz y descuidar la limpieza semanal si la tentación es demasiado grande.

El corto fue presentado al Digital Short Film Fest del 2008.

¡Disfrutadlo!

Aquí os dejamos la SECUELA… No tiene desperdicio.

Guillermo del Toro INombre completo: Guillermo del Toro Gómez

Fecha de Nacimiento: 9 de Octubre de 1964

Estatura: 1,78 cms.

Estado civil: Casado y padre de una hija. Su esposa, de nombre Lorenza, era compañera suya en el instituto donde cursó estudios.

Apuntes biográficos: Nacido en Guadalajara, Jalisco, México, Guillermo desarrolla un inusitado interés por el cine en su adolescencia. Con tan sólo 21 años, produce y dirige su primer cortometraje, Doña Lupe. Fue alumno de maquillaje del maestro Dick Smith y fundó a principios de los ochenta la compañía de efectos especiales Necropia, dedicándose a este campo durante casi 10 años. Paralelamente, trabajó en diversos programas de la televisión mexicana y fue profesor de cine.

Su opera prima Cronos (1993) tuvo gran acogida en círculos especializados, obteniendo nueve galardones en México y el Premio Especial del Jurado en el festival de Cannes. En 1997, Del Toro da el salto a Hollywood y dirige Mimic, una dura experiencia que le hace volver de la Meca del Cine y fundar en México su productora Tequila Gang.

En 2001, los hermanos Agustín y Pedro Almodóvar producen su siguiente proyecto: el éxito de crítica y público El Espinazo del Diablo. En los siguientes años, Guillermo vuelve a Hollywood y se asienta en la industria filmando Blade II (2002), Hellboy (2004) y Hellboy II: El Ejército Dorado. Entre estos proyectos dirige su película más aclamada hasta la fecha: El Laberinto del Fauno (2006).

En su faceta de productor, Guillermo del Toro está detrás de películas como Asesino en Serio (2002) y El Orfanato (2007).

La película que le dio a conocer: Cronos (1993), original y sugerente vuelta de tuerca sobre el tema del vampirismo que cosechó gran éxito en festivales internacionales y le abrió las puertas de Hollywood.

Cronos

La película que lo consagró: El Laberinto del Fauno (2006), incontestable obra maestra del fantástico reciente que confirmaba su enorme talento, conciliando a crítica y público.

Su mayor fracaso: Mimic (1997), fallida aunque muy interesante monster movie que fue remontada al completo por el productor Harvey Weinstein a espaldas de Guillermo. Fue un desastre en taquilla y Del Toro tuvo tan poco control creativo sobre el film que ha terminado repudiándolo en declaraciones posteriores a su estreno.

Una película a reivindicar: El Espinazo del Diablo (2001), insólita mezcla de historia clásica de fantasmas en el marco de la posguerra española, que ya prefigura muchos de los grandes hallazgos de la superior El Laberinto del Fauno.

El Espinazo del diablo

Lo mejor de su cine: Su gran talento visual para el cine fantástico, que bebe de fuentes como el cómic, la pintura, el cine clásico de terror y la literatura gótica y pulp. Nadie como él mezcla hoy en día realidad con fantasía sin que resulte forzado o estridente.

Lo peor de su cine: Si bien es un director con personalidad y estilo tras la cámara, carece de un mundo propio que otorgue suficiente interés a gran parte de sus películas como para elevarlas por encima del correcto entretenimiento –Blade II (2002), Hellboy (2004), Hellboy II: El Ejército Dorado (2008)- o evitar que sean propuestas prometedoras y finalmente fallidas –Cronos (1993), El Espinazo del Diablo (2001)-

Sus marcas de oficio:

–         Le fascina el mundo de los insectos y los mecanismos de relojería, incluyendo referencias a ambos en muchas de sus películas.

–         Suele recurrir a la imaginería religiosa (reliquias, artefactos, símbolos) en su puesta en escena y diseño de decorados y ambientes.

–         Usa el ámbar como color dominante en la fotografía de muchos de sus films.

–         Muchos de los personajes de sus películas están influenciados fuertemente o de manera determinante por la figura paterna.

Sus influencias: En un gran admirador de los clásicos de terror de la Universal y de las películas de horror de la productora británica Hammer Films. Se confiesa muy influenciado por el giallo y el cine de terror italiano en general, con Mario Bava y Dario Argento a la cabeza. Por último, siente un gran respeto y admiración por John Carpenter, Stanley Kubrick y Alfred Hitchcock (de quien llegó a escribir un libro).

Suele trabajar con: los actores Ron Perlman, Doug Jones y Federico Luppi, el director de fotografía Guillermo Navarro, el compositor Marco Beltrami y la compañía catalana de maquillaje y efectos especiales DDT.

La secuencia: La presentación de Hellboy en Hellboy (2004), comentada en secuencia cero.

Guillermo del Toro. Hellboy

¿Sabias que…?:

–         Es gran amigo personal de, entre otros, Santiago Segura, Robert Rodríguez, Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu.

–         En 1997, su padre fue secuestrado en México y estuvo cautivo durante 72 días hasta que Guillermo pagó el rescate exigido. Este suceso fue el principal motivo por el que decidió mudarse a Los Ángeles, donde reside actualmente.

–         Su monstruo cinematográfico favorito es la criatura de Frankenstein.

–         Rechazó dirigir, entre otras películas, Blade: Trinity (2004), AVP: Aliens vs. Predator (2004), Harry Potter y el Prisionero de Azkaban (2004), Soy Leyenda (2007) y Llamada Perdida (2008).

Citas personales:

“Lo que me encanta de los cuentos de hadas es que hablan sobre la verdad, no sobre organizaciones políticas, religiosas ni económicas”, “El signo de la verdadera amistad es saber perdonar el éxito”, “La mayor parte de la narrativa cinematográfica está en los detalles.”

Sus próximos proyectos: La adaptación al cine de El Hobbit, dividida en dos películas y producida por Peter Jackson.

Pregunta sin respuesta: ¿Por qué parece que Guillermo del Toro ha tocado techo con El Laberinto del Fauno y nunca va a llegar a superarla, incluso igualarla?

Filmografía:

  • Cronos (1993)
  • Mimic (1997)
  • El Espinazo del Diablo (2001)
  • Blade II (2002)
  • Hellboy (2004)
  • El Laberinto del Fauno (2006)
  • Hellboy II: El Ejército Dorado (2008)

Gracias a la personalidad y el buen hacer como director de Guillermo del Toro, Hellboy se sitúa a la misma altura que otras películas de superhéroes más reputadas como Spider-Man (2002) o Iron Man (2008) y muy por encima de pobres aportaciones al género tales como Los Cuatro Fantásticos (2005) y El Increíble Hulk (2008).

Como ejemplo de su particular habilidad para mezclar realidad y fantasía, hemos seleccionado esta secuencia en la que el personaje de Hellboy (al que ya vimos en forma de bebé al final del excelente prólogo de la cinta) queda presentado ante el espectador en su papel de héroe de la historia.

En la escena inmediatamente anterior, un senador niega en televisión la existencia de una “Agencia de Defensa e Investigación Paranormal”. En un gracioso golpe de efecto, la secuencia que nos ocupa arranca a continuación con un plano que muestra un edificio gubernamental en toda su grandeza y un rótulo en sobreimpresión que reza, precisamente, Agencia de Defensa e Investigación Paranormal. A partir de aquí, Guillermo del Toro conciliará el mundo fantástico en el que habita Hellboy con el universo cotidiano al que pertenece el personaje de John Myers (Rupert Evans) a base de una estudiada puesta en escena y planificación en el montaje. Se trata de contraponer y hacer resaltar mutuamente el binomio realidad – fantasía. El hilo conductor será el personaje de Myers, cuya función es representarnos a nosotros, esto es, al espectador.

Hellboy I

Myers llega en una moto y pulsa un botón del oxidado y desvencijado portero electrónico para llamar al interior del edifico. Súbitamente, el panel del portero gira sobre sí mismo y se convierte en un sofisticado y futurista escáner de retina que registra la identidad del visitante. Si bien el edificio por fuera parece más bien un museo o palacio de congresos, el primer plano que vemos del interior del mismo presenta una ampulosa y espaciosa estructura más propia de un edificio federal. Después de que Myers sea recibido por un guarda, un elevador a sus pies comienza a descender hacia el subterráneo del edifico, todo un almacén de alta tecnología. Del Toro parece decirnos que justo debajo del mundo real, en contacto con él y oculto muchas veces a nuestra vista, se encuentra un mundo fantástico esperando nuestra visita. Por otro lado, el realizador mexicano escenifica perfectamente la famosa leyenda urbana según la cual los americanos sospechan que su gobierno destina gran parte de los impuestos a la construcción de instalaciones de alto secreto, que tan bien ejemplificaron series como Expediente-X (1993) o películas como Men In Black (1997) y a las cuales hace un nada disimulado guiño.

Cuando Myers llega al estudio del profesor Broom (John Hurt) la iluminación se vuelve cálida y el escenario está rodeado de un inmenso mueble de estanterías en tonos ocre. Parece increíble que tan sofisticado edificio pueda alojar un hogar, pero nuevamente la fantasía invade a la realidad cuando se presenta el personaje de Abe Sapiens (Doug Jones) nadando en un acuario y disfrutando de huevos podridos como delicioso manjar (otra inversión de las leyes cotidianas). El corredor que conduce al cuarto de Hellboy parece el de una nave espacial y está repleto de todo tipo de reliquias extrañas (la lanza de Longinos, un feto de El Espinazo del Diablo) como si nos acercáramos a cruzar el umbral hacia un mundo extraño.

Hellboy II

Hellboy III

Es con la presentación de Hellboy cuando Guillermo del Toro acaba con los contrastes y funde realidad y fantasía con gran efectividad: Nuestro protagonista vive rodeado de gatos en una habitación llena de televisiones, sucia y desordenada, que más bien parece el dormitorio de un adolescente rebelde antes que la guarida de un superhéroe. En un genial chiste autorreferencial, Myers observa en sus manos unos cómics de Hellboy… y oímos a éste quejarse de cuánto los odia porque los dibujantes “Siempre la cagan con los ojos.” Hellboy, interpretado por Ron Perlman (imprescindible escuchar su voz de fanfarrón prepotente en la versión original) hace su aparición levantando pesas con una mano y fumando un grueso puro con la otra, dando muestras de una incorrección política realmente de agradecer en los tiempos que corren. Resulta que nuestro héroe es aficionado a las chocolatinas, fumador, antipático, engreído y reniega de su condición de demonio limándose los cuernos… ciertamente muy alejado de superhéroes para los que “un gran poder conlleva una gran responsabilidad”, como diría el hombre araña.

Hellboy IV

Convirtiendo lo fantástico en real, transformado lo extraordinario en ordinario, la secuencia concluye con una alarma que llama a Hellboy a la acción y ante la que comenta “Vamos a matar unos cuantos monstruos”… como si fuera pura rutina, y de hecho, así nos lo parece y se nos presenta.

Hellboy V

A continuación, y aunque quede fuera de este análisis, Guillermo del Toro utiliza en la siguiente escena el tema musical “Red Right Hand” de Nick Cave con mucho más sentido y atino que Wes Craven en Scream (1996). El podio de la artesanía también tiene peldaños, y Del Toro y Craven siempre han estado en dos distintos.

X Semana Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Estepona.El cine en Estepona continúa revelando sus secretos. Ya vamos conociendo las sorpresas que nos deparará la X Semana Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Estepona, porque después de saber algunos de los títulos que formarán parte de la Sección Oficial, tenemos novedades. Siguiendo la tradicional línea editorial del certamen, dos nuevas publicaciones verán la luz este año. Por un lado, “Cine zombi”, en el que Ángel Gómez Rivero ofrecerá un exhaustivo recorrido por el subgénero en un texto prologado por Jorge Grau (Premio Especial del Jurado de la presente edición); por otra parte, “La mujer en la sombra: Lo femenino en el cine fantástico y de terror”, obra coral de ocho autoras rematada por el prólogo de Espido Freire y la magnífica ilustración de portada de Cris Ortega.

Por otra parte, ya se conocen los cinco nominados al Premio a la Mejor Web de Cine Fantástico. Se trata de Sci-Fi World, Klowns Asesinos, Cinecutre, Aullidos y Tumba Abierta, compañeros y rivales que tendrán que esperar hasta la Gala de Clausura del 12 de septiembre. En último lugar, una noticia con nombre propio: Lamberto Bava recogerá de manos de Paul Naschy el Premio Waldemar Daninsky, merecido reconocimiento a una figura a la que debemos clásicos tan viscerales como las dos entregas de “Demons”, además de títulos como “Morirás a medianoche”, “Macabro”, “Cuchillos en la oscuridad” o “Disturbios en el cementerio”.